Crítica de la película: "El cocinero, el ladrón, su esposa y su amante" de Peter Greenaway.

Hola chicos, en ésta ocasión hablaremos un poco de cine, y qué mejor de una de las películas que más me han impactado por su trágico final. Así es, estamos hablando de la película “El cocinero, el ladrón, su esposa y su amante”, dirigida por Peter Greenaway.

Éste cineasta británico es reconocido gracias a su excentrismo en el nuevo cine inglés quien desde joven estuvo interesado en la pintura, llegando a estudiarla en Walthamstow College of Art, por lo que estos hechos marcan y están implícitos en los inicios de su cine (la pintura y el cine experimental)

Si hablamos de la época en la que fue filmada ésta película, en el año 1989 habían hechos históricos (políticos) que marcaron de alguna manera la producción de ésta película, ya que en dicha época el gobierno no estaba interesado por la gente pobre pero por el contrario, favorecían a la gente rica, causando cierta reacción en el director para que en ésta película se notara el enojo sobre dicha situación actual de esos tiempos.

Quizá el título de la película parezca o suene un poco largo al contrario de muchos films que quizá con una o dos palabras llamen la atención del público, pero eso es lo que llama a ver la película, porque además de mencionar a los personajes principales, en realidad genera una inmensa curiosidad de saber cuál será la trama de la película y lo más interesante es que la película, como ya conocemos al director, lo empezó de una manera teatral, ya que inicia mientras se abre un telón y después las semanas que pasan se dividen como actos de obras teatrales, en forma de un “menú del día” lo que te hace estar atento.

La película se basa en un hombre de nombre Albert Spica (Michael Gambon), quien es dueño de un elegante restaurante francés (“La Holandaise”) pero es un ladrón despreciable que se la pasa insultando y atemorizando a todo mundo (los comensales, empleados, etc.) en especial humilla todo el tiempo a su esposa Georgina (Helen Mirren), quien comienza un romance con un cliente bibliotecario de nombre Michael (Alan Howard), donde un buen día resultan ser descubiertos, su esposo al ser un hombre despreciable la amenaza y tortura buscando venganza matando a Michael y Georgina como forma de venganza por arrebatarle lo único que la hacía feliz en toda esa tragedia, le pide al chef algo que ni yo misma esperaba sucedería.

Hablando del contexto histórico de la película, la psicología de los personajes está adoc a la época en la que se realizó el film, ya que al guiarnos por Georgina, representa a la mujer, modelo y esposa perfecta, quien siempre tenía que lucir bien para su esposo y ser humillada y denigrada por a su esposo sin refutar nada. Albert representa al hombre de poder (un hombre de clase social alta), quien gracias a ese poder, abusa de éste para mofarse de los demás y denigrarlos sin un poco de compasión. El cocinero Richard, representa el punto medio de la empatía hacia los amantes, ya que siempre los apoyaba en todo momento. El amante Michael, representa a los intelectuales de dicha época, quien no necesita de mucho para poder llegar al punto máximo de placer y felicidad. Y quizá no es un actor principal, pero de alguna manera tiene su razón de ser, es Pup (el niño cantante) ya que para esa época era importante que después de todo el holocausto, siempre existe la fe.

La vestimenta es bastante relevante en éste film, ya que el autor marca mucho la parte teatral y el arte de pintura, por lo que un ejemplo claro es la ropa de Georgina, que creo yo está bien pensada para cada toma, porque es extravagante, portando la ropa de la más alta costura pero si nos guiamos por la teoría del color, el vestuario representaba el estado de ánimo de Georgina. La vestimenta de Albert es sumamente elegante, digna de un hombre con alta clase social, en cambio el vestuario de Michael es sencillo, sin alardear tanto su estatus social o económico de dicha época pero por supuesto marcaba mucho que era una persona intelectual.

Con respecto a las tomas y los encuadres, Greenaway marca mucho que su cine es teatral con influencias de la pintura, por lo que las los movimientos de cámara eran generalmente travellings en paralelo al diálogo, con tomas contrapicadas y picadas, generando una ilusión exquisita de ver una “obra de arte dentro de una pintura” gracias a las tomas y escenografía. Greenaway es reconocido gracias al gusto espectacular que tiene con la experimentación en conjunto con la cultura.

Sin duda alguna, la escenografía tiene gran importancia y sobretodo una simbología impresionante gracias también al manejo de los colores porque sin darse cuenta, los mismos colores e incluso la iluminación generan emociones fuertes y marcadas en cada escena. Por ejemplo, el comedor es de color rojo, pero en éste caso y por la iluminación, no representa pasión o amor, sino que más bien demuestra tragedia y sangre. El baño es totalmente blanco, y éste representa paz y tranquilidad; la cocina es verde y en éste aspecto representa seguridad; el color azul del estacionamiento representa frialdad; el color amarillo de la biblioteca representa calidez y el color negro encontrado en el color de la comida, representa la muerte. En realidad a mí me sorprende que los colores tengan un significado, pero lo que les da otro valor y simbología también es la iluminación, porque un ejemplo claro es el estacionamiento, es azul pero con una iluminación oscura, si la iluminación no jugase un papel de esa magnitud, el azul estaría representando alegría u otro estado de ánimo menos trágico.

La musicalización creo que empata muy bien con cada escena ya que como Greenaway es muy claro con su teatralidad, van muy de acuerdo con cada escena, incluso al escuchar al niño cantar a capella, te hace sentir que estás viendo una obra de teatro en vivo.

El género de ésta película es un drama con un toque de lo trágico, porque se puede apreciar muy bien las emociones que cada actor expresa debido a todo lo que están viviendo dentro de la misma época, donde quizá ya había un poco más de libertad, pero estaban muy marcadas las clases sociales y sobre todo que la mujer no tenía aun ese tipo de libertades incluso de estar con un hombre que ama por tener un esposo y de adulterio no se le quita la etiqueta, pero además es trágico porque matan al único hombre que Georgina en verdad ama en medio de todo el drama.

El guión de la película es bastante fácil de digerir, incluso gracias a todos los elementos que conllevan una puesta en escena y en especial para un film, es importante el guion que se llevó a cabo ya que tiene una muy buena narrativa y hace que los actores lleven a cabo una buena expresión corporal.

Sin duda alguna, la reacción del final de la película hacia el público, creo que es lo que hace que éste film haya tenido tanto éxito, porque para esa época, ver una reacción así de una mujer que un inicio se mostraba sumisa e indefensa, tomara las riendas y decidiera darle de comer su amante a su esposo y después matarlo, creo que es algo que ni yo misma me esperaba y es algo que causó mucho impacto y generó muchas emociones incluso dentro de mí.

En realidad, éste es un film que disfruté de pies a cabeza, ya que Greenaway salió de lo convencional e hizo toda esta historia en una forma teatral, pintoresca  y cultural, donde jugó bastante con los colores, la simbología, la iluminación, el vestuario, el guión, la musicalización e incluso la época actual en la que él vivía. En general creo que todo está bien pensado y tiene su razón de ser, inclusive la escenografía y la utilería (como el cuerpo de Michael cocinado), fueron factores de alto impacto que generaron tantas emociones en tan solo 123 minutos de film.

Crítica del film: "Las tentaciones del Dr. Antonio" de Federico Fellini.

La diversidad de hechos históricos, los cambios tanto sociales como las diferencias culturales, las cuestiones políticas y económicas e incluso la relevancia que tiene la religión en cada época, son sin duda elementos que no se pueden dejar pasar al momento de analizar una película, ya que resultan de gran importancia para conocer  la situación de ese momento y el impacto que generó al público en esa época.

Es por eso que en la película se abordan éste tipo de elementos, ya que el personaje principal que es el Dr. Antonio Marzuollo, quien es un hombre que quiere de alguna manera proteger al público (niños, boys scouts, familias, etc.) de un cartel que considera es indecente porque la modelo que está plasmaba en el cartel, muestra un poco más los senos, hace referencia a su mirada “seductora”, la pose en la que está y como se ven de más sus piernas. Si hablamos en un contexto histórico, en esa época se trató de ser más liberales o al menos de una mente más abierta, ya que épocas atrás e incluso años antes de dicha época, las mujeres eran muy reprimidas y el hecho de mostrar su cuerpo de más e incluso participar en ese tipo de fotografías o publicidad era considerado indecente y como mujeres que no se daban a respetar. Pero si analizamos bien la película, hubo un cambio notorio en la forma de pensar de la gente, ya no estaban tan reprimidos e incluso ya no existía tanto el prejuicio social, ya que nos podemos percatar que ya no todos pensaban de la misma manera, debido a que eran más liberales y un cartel con ese tipo de publicidad no lo tomaban tanto como morbo o algo que los niños, o cualquier persona, no deberían de ver a pesar de que solo algunos estaban en desacuerdo con el cartel. Por lo que dicho contexto social, era de impacto hacia el Dr. Antonio, aunque cabe mencionar que los prejuicios, el racismos, machismo, feminismo y demás sigue siendo una problemática en la sociedad actual, quizá ya no de la misma manera que estaba tan marcada en épocas anteriores, pero existen aún.

Otros elementos que simbolizan de alguna manera esta “revolución cultural”, es el sexo, ya que básicamente en todo el film, podemos encontrar que además del cartel, en los puestos de periódico hay fotografías de mujeres mostrando su sensualidad, e incluso el impacto, al inicio de la película, que le generó al Dr. Antonio al ver a jóvenes en “pleno acto” dentro se sus automóviles, lo cual lo desconcertó y para el personaje esos actos son símbolo de impureza.  Pero analizando detenidamente, el film hace un hincapié total a la representación de la mujer como belleza y poder  femenino, no solo por la cuestión en cómo viste la modelo y como posa en el cartel y en realidad no se toma como un “objeto sexual” o símbolo de impureza, por lo que es toda una revolución en el liberalismo de la sociedad, es un acontecimiento importante que no se puede dejar pasar por alto.

Generalmente, no buscamos un poco del trabajo del director o productor de los films, en especial cuando son de épocas anteriores, pero es de gran importancia conocer un poco de su trabajo para entender o al menos identificar cualquier elemento único de cada uno de ellos. Por lo que Federico Fellini, quien ha sido caracterizado por su estilo satírico, ha sido uno de los directores más reconocidos  teniendo en su poder 5 premios Óscar gracias a sus producciones como “Las noches de Cabiria”, “Amarcord”, “La strada”  y “Las noches de Cantabria”. Si se preguntan por el 5to óscar, pues éste se le fue otorgado poco antes de que falleciera Fellini como un gratificante homenaje a su espectacular trayectoria en el mundo del cine.

En la narrativa visual, logró que el espectador se entretuviera en todo momento, ya que se puede disfrutar debido al excelente manejo en los movimientos de cámara, los efectos y sobretodo que es clara cada toma muy bien intencionadas, por lo que hace que sea uno de los films que se pueden digerir sin problemas y hace que se asegure el entretenimiento al espectador por el estilo satírico de Fellini, ya que hace mucha referencia a la religión, la sociedad, y demás contextos históricos que nos hacen conocer un poco cómo se vivía o pensaba en esos tiempos, y lo relevante de éste film es que son los principios de las películas a color de Fellini.

En los aspectos técnicos, al referirnos a las tomas, los escenarios, los movimientos, la musicalización, el guión bien estructurado e intencionado e incluso la magnífica utilería, hacen que se refleje el éxito del film y no cuestiones ni el por qué se considera a Fellini como uno de los mejores directores de cine.

En la parte de los efectos, se puede notar que es un trabajo de excelente calidad pero sobretodo que tienen su relevancia, ya que el hecho de manejar tomas donde la modelo luzca más grande y el Dr. Antonio tan pequeño como un “muñequito” hacen que se refleje incluso la psicología de los personajes, por las tomas bien estructuradas, ya que una toma “contrapicada” hace que la modelo muestre superioridad y poder ,y en efecto luzca más grande y la toma “picada” hace que el Dr. Antonio se vea vulnerable.

En la psicología de los personajes, cada actor tiene su propia “escencia” y lo importante es que están tan bien intencionados que es lo que hacen que sea posible darle ese entretenimiento y sentido en el film. Como por ejemplo, el Dr. Antonio refleja un trauma de tiempo atrás que lo hace actuar de dicha manera, pero no solo es por el trauma, sino porque se da cuenta que la época en la que el vive ya estaba cambiando e incluso las personas tenían otros ideales más liberales o distintos.

El film tiene un género comedia sitcom con un toque de género fantástico, ya que hablando por el género de comedia sitcom, es gracias al contraste de las situaciones que se van proyectando a lo largo de la película, la forma de ser y actuar del personaje e incluso los diálogos son divertidos y atractivos, por lo que lo hacen ser de dicho género. Y es un género fantástico, por los efectos bien plasmados como lo es cuando la modelo es de un tamaño gigante a ser del tamaño de una persona promedio.

En realidad la película me gustó bastante ya que es muy fácil de digerir, te entretiene y los efectos y utilería que existen dentro del film lo hacen único y divertido. Para mí, un aspecto importante de ésta película es que gracias al buen manejo del contexto histórico, se puede plasmar una realidad de una época distinta pero que de alguna manera nosotros mismos podemos ver como trasciende la historia y la sociedad a lo largo del tiempo, porque es muy cierto, una película analizada desde un punto de vista histórico, nos muestra un poco o incluso mucho de lo que se vivía y como pensaban en cada época. A fin de cuentas, es una película que quizá solo dure 52 min, pero aunque sea del modo “divertido”, demuestra una verdad del ser humano y sobretodo la doble moral que existe en la sociedad, ya que no está muy alejada a la sociedad ni época actual debido a que aún existen mentes muy cerradas  y sobretodo que aún consideran como tabú el sexo en todas sus formas.